DENTSU LIVE | 電通ライブ

新型コロナウイルスの流行で人々の価値観や生活様式が大きく変わり、電通ライブが手がけているイベント／スペース領域においても、根底からその価値を問い直すことが求められています。こうした背景を受けて、2020年10月に立ち上がったのが、全社横断型プロジェクト「L!VE ON PROJECT」。
電通ライブが培ってきたイベントプロデュース力や空間デザイン力といった専門知見を統合しながら、イベント／スペースのオンライン化、バーチャル化対応など、New Normal時代の新しい体験創出にチャレンジしていきます。

今回は立ち上げメンバーの中から3人に、プロジェクト設立の経緯やそこに込められた思いを聞いてみました。

とある社員の書き込みから、すべては始まった

――はじめに、「L!VE ON PROJECT」を立ち上げた経緯を教えてください。

青木：電通ライブはオンラインでのコミュニケーション手段としてMicrosoft Teamsを活用しているのですが、そのチャットに書き込まれた一つの投稿からすべては始まりました。

西牟田：「誰かに聞いてみよう」という、仕事で分からないことを質問したり、パートナーの情報を聞いたりと、社員同士で情報交換できるチャットがあるのですが、そこに突然レディー・ガガのチャリティーコンサートのリンクを貼って、「こんなこと私たちもやりたいですよね」と書き込んだ人がいるんです。

青木：それが、ここにいる山本なんですけど（笑）。

山本：はい、私です……（笑）。当時、緊急事態宣言が発令されて会社に行けなくなり、当然イベントの仕事もなくなってしまい、「これからどうなるんだろう……」とすごく落ち込んでいました。その時、レディー・ガガさんがいろんなアーティストを集めて、医療従事者支援のためのオンラインライブを全世界に配信していて。ものすごく感動すると同時に、私たちもイベントを提供する立場なのに何もできていない、とモヤモヤしたんです。

青木：それで、あのTwitterのつぶやきみたいな思いをTeamsに……。

山本：はい、行き場のない思いを衝動的に書き込みました（笑）。すると、先輩や後輩が次々と反応してくれて、一気に話が盛り上がったんです。西牟田さんなんかは、いきなり「ステートメント書きます！」と言ってくれました。

西牟田：5分ぐらいでバッと書いて送ったよね。

山本：はい。リアルで会ったこともなかったのに、偉そうに「いいですねー」とか返信してましたよね……（笑）。でも、社内に同じ思いを持っている人がたくさんいることに気づいて、すごくうれしかったんですよね。

山本 毬奈

会ったことのない社員との議論で、頭のスイッチが切り替わる

――山本さんの突然の投稿を見て、皆さんはどんなことを感じたのでしょうか？

西牟田：コロナ禍でイベントの価値を根本から問い直さないといけなくなった時、僕としてはオンライン／オフラインを問わず、人々に体験を提供することが本質的な価値だと思ったんです。大変な時期だけど、今まで培ってきた力を活用しながら、新しいことにチャレンジする機会になるはずだと。そこに山本の書き込みがあって、一気にスイッチが入った感じです。

青木：最初は、何かひとつ仕掛けてみよう、くらいの軽い気持ちでした。イベントが中止になったから時間はあるし、暗いムードだから力を合わせて、何か世の中を元気づける楽しいことができればいいよねと。でも話せば話すほど、みんなの課題意識が変わってきた。出てくるアイデアもイベント／スペースの本質的な価値を考え直すことだったり、自分たちの領域自体をアップデートしていくものだったり。そこに共鳴する仲間もどんどん増えていったんです。

青木 峻

西牟田：当初はこのアイデアを、クライアントに提案しようと話していました。でも、ひとつのイベントとしてカタチにするだけでなく、みんなの思いや悩み、使命感など、この場で交わされている会話自体をプロジェクト化すべきだと。なぜなら、世の中に新しい価値を生み出すための議論を、これまで僕らは十分にできていなかったから。世の中の価値観が大きく変わっていく中で、会社がアップデートしていくためには、全社的なプロジェクトとして継続的に取り組むべきだと思いました。

青木：それこそ、同じ会社の人間なのに今まで一度も会ったことのない人、話したことのない人もたくさんいるんですよね。でも、山本の書き込みで頭のスイッチが切り替わった瞬間、初めましての人とも密なコミュニケーションが生まれた。全然知らなかった才能や発想と出会う。さらに、世の中に向けて新しい価値を生み出すという、これまで頻繁には使ってこなかった思考をみんなが少し持つ。それだけでも、僕らの仕事のやり方は変わると思うんです。これはコロナに関係なく大事なことですよね。

山本：チャットに参加してくれたのが、普段コミュニケーションを取ったことのない人たちばかりで、電通ライブにはこんなに面白い人たちがいるのか！と驚きました（笑）。本当にいろいろな性格や考え方の人がいて、発言ひとつ、アイデアひとつに、いつも刺激を受けています。

――チャットで始まった議論を、どのようにプロジェクト化していったのでしょうか？

山本：まずはとにかくみんなでアイデアや意見を出し合い、タイミングを見ながらプロジェクト発足の提案書としてまとめていきました。

青木：アイデア自体はどれも良いけれど、それを実装してカタチにするのはとても大変です。しかも僕らは体質的に、一つ一つの仕事で100点を取りにいく習慣が根付いているので、とりあえずチャレンジしてダメだったらまた次に挑戦する、という新陳代謝の早い進め方に慣れていないなと。

西牟田：クライアントワークだと、正解となるアイデアを決める作業が必ずあります。でも今回に関しては、基本的にみんなのアイデアはどれも正解なんです。だから取捨選択するのではなく、こういう未来もあるし、こういう未来もあるよね、という選択肢を残しながら進めていきました。

西牟田 悠

青木：当初、メンバーの中では年長者だからか、自然と僕や西牟田が資料のまとめ役をしていたけれど、僕ら自身はアイデアの正解・不正解を判断する立場ではありません。一つ一つの芽は大事にしつつ、小さな矢印がバラバラな方向に点在するのではなく、それぞれの方向は多少違っても、引いて見るとゆるやかに同じ方向を向いている。そんな大きな矢印＝プロジェクトをつくれたらいいなと。
そこからアイデアの前段となるビジョンステートメントやロゴなどを考えて、役員にも提案し、正式なプロジェクトとして「L!VE ON PROJECT」が誕生しました。

＜プロジェクトロゴ＞

プロジェクト名には“既存の領域に新たな価値をプラスオンしていく”“新たなマインドでビジネス創出に取り組んでいくスイッチを「ON」していく”など、未来に向けた電通ライブの決意が込められています。

後編では、プロジェクトを立ち上げたことで社内に生まれた変化、そして今後、プロジェクトを通して実現したい未来について語り合います。

2020年10月に立ち上がった、全社横断型プロジェクト「L!VE ON PROJECT」。
電通ライブが培ってきたイベントプロデュース力や空間デザイン力といった専門知見を統合しながら、イベント／スペースのオンライン化、バーチャル化対応など、New Normal時代の新しい体験創出にチャレンジしていきます。

立ち上げメンバーにプロジェクト設立の経緯や、そこに込められた思いをインタビューした前編に続き、後編ではプロジェクトがきっかけで社内に生まれた変化や、今後プロジェクトを通して実現したいことを聞きました。

電通ライブ社員に生まれた、ゆるやかな仲間意識

――「LiVE ON PROJECT」を立ち上げて、新たに気づいたことや発見はありますか？

山本：私は、今までクライアントから課題を頂いてばかりで、自ら課題を発見することを全然やってこなかったんだと気づきました。良い意味で、すごく悩みました。

青木：「クライアントワークじゃないことが、こんなにも難しいとは思わなかった」という意見もありました。確かに、進め方もスピード感も普段のプロジェクトとは違うので、そこが大変であり、刺激的でもありますね。

西牟田：僕もこれまで、課題を漠然と考えていたことに気づきました。例えば同じ上京して一人暮らしの学生さんでも、コロナ禍でバイトができなくて困っている人もいるし、逆にオンラインでのコミュニケーションが増えて友達と仲良くなった人もいる。一人一人状況が違うんですよね。「L!VE ON PROJECT」自体が一人の悩みから生まれたものですしね。そういう意味で、身の回りの解像度が上がったというか、前よりも一人一人の悩みや思いに目を向けられるようになったと思います。

――会社に対する思いや、社員同士の関係も変わりましたか？

山本：もともと個人商店というか、一つのプロジェクトに対して電通ライブのメンバーは2〜3人、あとは協力会社とクライアントという座組みが多かったので、あまり社内の人と関わりがありませんでした。1000人ぐらいいますもんね？うちの会社。

西牟田：いや、1000人はいないんじゃないかな（笑）。500人ぐらい？

山本：失礼しました……（笑）。でも、そのくらい社員についてよく知らなかったのですが、今回のプロジェクトを通して急に距離が近くなった気がしました。今では勝手に仲間意識を感じています（笑）。

山本 毬奈

青木：プロジェクトの視点がどんどん中長期的なものへと変化していくうちに、僕らがこれをやる意味や、これから会社がどうあるべきかについても向き合うようになりました。そのプロセスを通じて、みんなの中で徐々に仲間意識が生まれてきたと思うんです。僕もこれまでは個人商店のような感覚で動いていて、隣の席の人が何をしているのかすら知らないこともありました。

西牟田：青木さんは基本的に席にいないですもんね（笑）。

青木：そうだね（笑）。でも、一つの会社にこれほどまで多種多様な才能や発想が集まっているのに、それを取り入れたり、逆に提供したりせずにいるのは、すごくもったいないことだと気づいたんです。もっと有機的につながることができるはずなのに、勝手に壁をつくってしまっていたんだと。山本の投稿をきっかけに、個人・部署・ユニット・地域といったセクショナリズムが一気に崩れて、逆に会社という大きなつながりを再認識して、ゆるやかな仲間意識が生まれた気がしています。

青木 峻

自発的にアクションを起こす「体質」を根付かせることが大事

――先ほど、会社の未来に向き合うきっかけにもなったという話が出ましたが、具体的にどのようなことを考えたのでしょうか？

山本：コロナ禍でリアルな体験が全面的に良しとされない世の中になり、私たちの価値ってなんだろうとすごく悩みました。私たちにしかできないことは何か、私たちの強みは何か、みんなで議論して、たどり着いた答えは、「リアル／バーチャルという線引きで考えず、感動する体験を時代に合わせて提供し続ける」ということ。そのためのポテンシャルを磨き続けることが大事だと思うようになりました。

西牟田：これまで、僕たち自身が誰よりも、リアルとバーチャルを強く線引きして考えていた気がします。それがもしかすると、新しいことにチャレンジする上で足かせになっていたかもしれません。

西牟田 悠

青木：それから、良くも悪くも僕らには黒子文化が身についています。自分の仕事だけれど、あくまで最終的にはクライアントのモノ。それはある意味で正しい姿勢かもしれないけれど、この先、リアルとバーチャルの線引きがなくなって可能性がグンと開けたとき、もっと自分の意思や個性をぶつけて課題と向き合わないと、新しい価値を生み出すことはできないのではないかと思います。

西牟田：クライアントから具体的な課題を与えられるだけでなく、僕らがこれはやるべきだ、やった方がいいという思いから仕事を生み出すことも大切ですよね。
東日本大震災の時もそうでしたが、社会が大きな困難と直面したとき、クリエイターやアーティストは自分たちが持っている力を使ってすぐに動きます。一方、僕らのような組織は、お金やリソースをどう動かすかという問題もあるし、自発的に行動することに慣れていなかったりします。だからこそ、自分たちで課題を見つけてアクションを起こすという「体質」を、このプロジェクトを通して根付かせておくことが重要だと思っています。もしも、またイベントという価値の根底を揺るがす何かが起きたとき、この「体質」があれば、どんな苦難も乗り越えていけるのではないでしょうか。

イベントの枠を超えた体験価値を、パートナーと一緒につくりたい

――最後に、「L!VE ON PROJECT」でこれから実現していきたいことを教えてください。

西牟田：僕は「L!VE ON PROJECT」で、新しい体験のカタチをつくりたいと思っています。イベントという枠組みを超えて、もっと広い意味で、ブランドや企業のアクティベーションにつながるような体験価値を生み出す。これは1社だけでできることではないので、クライアントやパートナーとの連携を増やして、一緒に取り組んでいきたいと思います。

山本：私もクライアントと一緒に課題を発見したり、私たちと同じ課題意識を持つクライアントやパートナーと、一緒に新しい仕事をつくりたいです。また、このプロジェクトを通じて社内の一人一人が個性を発揮しやすくなるといいなと思います。個人が輝くことで、会社ももっと輝いていくと思います。

青木：今、さまざまな業界で、個人の発信や熱量のあるレコメンドがマスコンテンツ以上に強い共鳴を生んでムーブメントになるケースが増えていると思います。イベントやスペース領域においても、僕は個人の熱量や「好き」という思いこそが他にはない個性となり、唯一無二の体験価値を生み出すと思っています。
だからこそ、まずは社員の「好き」や「熱量」を発掘することから始めたいです。それぞれに熱量のある人間がもっと関わることができれば、それはクライアントにとっても、その先のユーザーにとっても間違いなく良いことですよね。

西牟田：それから、今回のように小さくチャレンジして育てていくという仕事のつくり方を増やしていけるといいですよね。

山本：以前、青木さんが「一度きりの大きな波を起こすのではなく、さざ波がずっと続いている状態をつくりたい」と言っていましたが、まさにそれですね。

青木：こういうプロジェクトは、すぐに結果を出そうと気負い過ぎると続かないんです。分かりやすい結果が出なくても、考えていたプロセスが他のプロジェクトに与える影響は少なくありません。小さな波を起こし続ければ、いつか大きな波につながると信じています。

西牟田：続けることが価値になると思います。そのためにも、社内外に向けてさらに情報発信をして、新しいプロジェクトをどんどん生み出していきましょう！

2021年1月、電通ライブは、世界のライブ・エンターテインメント業界のプロフェッショナルとともに、リサーチや開発からクリエイティブ、制作、運営まで、新しいライブを創造するプロジェクトチーム『spotlight』 を発足させました。
ライブエンターテインメント業界が活気を徐々に取り戻し、今後日本から世界へ発信するコンテンツの重要性も増していく中、『spotlight』は世界の第一線で活用しているメンバーと共創し、New Normal時代に向けた新しいライブエンターテインメントの価値創出を目指します。

今回、プロジェクトメンバーの中からエグゼクティブプロデューサー、ショーデザイナーの経験を持つJames Tanabe 氏とLena Gutschank氏、空間演出プロデューサーの御厨浩一郎氏、プロデューサーである電通ライブの山田直人による座談会を実施。『spotlight』誕生の経緯や日本と海外の製作手法の違い、日本のライブエンターテインメントのポテンシャルなどを広く語り合いました。

クリエイティブを拡張させた、ワークショップ形式の企画づくり

山田：『Spotlight』は「New Normal時代を見据えた新たなライブエンターテインメントへの挑戦」を活動テーマに掲げるインターナショナルプロジェクトチームです。大きな特長の一つが、国内外で豊富な実績とノウハウを持つメンバーが参画していること。シルク・ドゥ・ソレイユのシニアディレクター兼アーティスティックディレクターとして活躍されてきたJamesさんや、Palazzoのアートディレクターやシルク・ドゥ・ソレイユのイノベーションコンサルタントを務めてきたLenaさん、他にも「O（オー）」や「KA（カー）」を手掛けてきたパフォーマンスディレクターや、元ドラゴーヌ・エンターテイメント・グループのアーティスティックディレクターなど、世界的なショービジネスに携わってきたプロフェッショナルを迎え入れています。日本からは、デジタルとライブ双方を取り入れた空間演出を手がける御厨さんをはじめ、電通ライブは、株式会社MIXIのライブエンターテインメントショー「XFLAG PARK」を担当したメンバーを中心に海外案件に強いメンバーも交えてチーム構成しています。

御厨：Jamesさんたちとライブチームがお会いした最初のきっかけが、「XFLAG PARK 2016」でしたよね。ゲームとサーカスを融合させたショーをやるために、シルク・ドゥ・ソレイユのアクターを紹介していただきました。そのショーが大盛況で非常に好評だったので、「XFLAG PARK 2018」ではチームを組んで一緒にショーを作ったんですよね。

御厨 浩一郎氏

山田：その時の製作プロセスがとても新鮮でした。日本では通常、クライアントに提案を重ねて数ヶ月かけて企画を固めるケースが多いのですが、われわれ製作チームときゃりーぱみゅぱみゅさんのチーム、そしてクライアントも参加して4日間のワークショップを開催し、そこで一気にシナリオやパフォーマンスを作ったんです。

James：あのワークショップは私とパフォーマンスデザインディレクターのBoris Verkhovskyがシルク・ドゥ・ソレイユでイノベーション・ラボを率いていた時に開発したものでした。最初に私たちが約400案のアイデアを出して、みなさんにインスピレーションが湧くアイデアを選んでもらう作業をしたのですが、同じプロセスでもシルク・ドゥ・ソレイユのチームとそれ以外のチームでは引き寄せられるインスピレーションが大きく異なることを学び、それは私たちにとっても非常に興味深い経験になりました。

山田：ちょうど海外のエンターテインメントを日本のマーケットに取り入れる方法を模索していたタイミングと重なったこともあって、ぜひチームを作ってチャレンジしていきたいという話をさせていただいて、コロナ前だったので海外のいろんなショーを見に行ったり、興行主やプロデューサーの方々をJamesさんに紹介していただきましたよね。実際、パッケージ化してクライアントに提案したこともありました。

山田 直人（電通ライブ）

James：私たちもシルク・ドゥ・ソレイユをさらに発展させるために、世界各地の都市のポテンシャルをリサーチしていた時期でした。人口や所得、教育レベルなどさまざまな要素を数値化していく中で、東京と大阪はエンターテインメントにとって非常に素晴らしい条件が整っていることが分かりました。しかし一方で、それほど大きな可能性を持った都市であるにもかかわらず、ブロードウェイのような世界的なライブエンターテインメントが存在しないことが不思議でした。日本は世界のマーケットの現実を知りたいし、世界は日本のマーケットの現実を知りたい。お互いのことを理解するための良いきっかけになったと思います。

日本と海外の製作プロセスの違いとは？

山田：その後、COVID-19の流行によって世界中のエンターテインメント業界が危機的な状況に直面しましたが、われわれはNew Normal時代に向き合った新しいライブエンターテインメントの可能性を開拓すべく、『spotlight』を立ち上げました。おかげさまで大規模イベントやアリーナのスポーツエンターテインメント、海外での水族館ショー、地方創生など複数のプロジェクトがスタートしていますが、実際にJamesさんやLenaさんが日本のプロジェクトに携わる中で抱いている日本の印象や、日本と海外の違いはありますか？

James：まず第一に、私たちは世界中のいろんな場所でプロジェクトを実施してきましたが、その中でも日本でプロジェクトに携わることはとても楽しく、大好きな国の一つです。

Lena：私も日本で働くのが本当に好きです。なぜなら、日本では長期的にプロジェクトを継続できるので、その中でお互いのスキルを理解したり、信頼関係を構築しながら一緒に学べるのは素晴らしいことだと思っています。また、日本のパートナーは何をやるにしても信頼度が高いです。彼らが責任を負い、提供すると言っているものに関しては、必ず約束どおりに実行されます。そこに対して非常に高い満足感があります。

（左から）Lena Gutschank氏、James Tanabe氏

James：一方、日本で初めて仕事をする海外のパートナーにいつも伝えているのは、「いつもよりも小さなスペースで、より短期間で集中して作らなければならない」ということ。それから、「日本では提供すべきものをいつも以上に前もって準備して、全部揃えて置く必要がある」ということ。私たちの場合はクリエイティブと実製作を一緒に進めていくのですが、日本はクリエイティブと実製作が別々の段階で行われており、100％合意が得られたクリエイティブを作ることになります。すなわち、実製作の段階で探求したり、実験したり、失敗したり、誰よりも優れたものを生み出すかもしれない幸せな偶然を経験することが難しいのです。そして、これにはより多くの時間とスペースが必要になることも事実です。

御厨：確かにヨーロッパや北米では、一度決めたプランも製作途中でもっと良いアイデアが出てくれば変えることもありますし、それで予算が足りなくなるなら追加するなど、ものづくりのプロセスに柔軟性があるイメージです。

山田：そうですね。日本の商習慣などもあるので全てを変えることは難しいと思いますが、それこそワークショップ形式のシナリオ作りのように、新しい製作プロセスにチャレンジすることでクリエイティビティを拡張させる余地は大いにあるのではないでしょうか。

小さなショーを作る海外のトレンドは、日本文化にフィットする

山田：国内でも徐々にライブエンターテインメントが息を吹き返しつつありますが、世界的なマーケットの潮流も踏まえて、今後日本のライブエンターテインメント業界にはどのような可能性があると思いますか？

James：北米ではラスベガスやシルク・ドゥ・ソレイユが再開し、最初はためらう人もいましたが、今では多くの人がショーに訪れ、パンデミック以前までニーズが増えていると感じます。しかし、パンデミック中に多くのパフォーマーやプロフェッショナルが仕事を変えたり引退してしまったので、人手不足が問題になっています。こうした潮流は日本にもやがて訪れるのではないかと思います。

Lena：ヨーロッパも北米と同じく、ライブエンターテインメントに対する人びとの大きなニーズがあり、同時にショーで働いていた人たちの人手不足、特に技術者の減少が顕著です。また、観客の財布の紐が固くなっているので、投資家など支援する側も大金を出して大きなショーを作るのではなく、よりコンパクトに、親密な関係を築きながら、クオリティの高いショーを作るケースが増えています。

山田：そう考えると、日本はもともと大規模のショーを作るのが難しい環境ではあるので、むしろポストパンデミック以降、小さなショーを作るという海外の潮流は日本にフィットしそうですよね。

James：ロンドン、ニューヨーク、ラスベガスなど大規模なショーが行われる常設劇場を備えた都市のスタイルを日本でやるのは難しいと思いますが、それこそシルク・ドゥ・ソレイユやPalazzoがやったように、人が集まる場所にテントを移動させてその街の規模に合わせたショーをやるスタイルがフィットすれば、それは人びとがエンターテインメントを身近に感じる下地作りになるという意味でも大きな意味を持つと思います。そうすると、今後国内で大規模なショーが行われる際も人びとが受け入れやすくなるのではないでしょうか。そもそも日本には地方で小屋を作ってショーを行う“KABUKI”が、昔ながらの文化として根付いていますからね。

御厨：確かに地方の小屋で歌舞伎を見ていた人たちが、江戸の歌舞伎を見て感動する、という構図に似ていますね。

山田：面白い意見をありがとうございます。最後に、Jamesさんにお聞きしたかったのは、なぜ『spotlight』のプロジェクトに情熱を捧げていただけるのか？ということ。毎週ミーティングを重ねるなど貴重な時間を割いてもらっていますが、日本とのコラボレーションやこのチームにどのような思いを持って参加されているのでしょうか？

James：私はこのプロジェクトを旅のように感じています。旅で最も重要なのはどこに行くのかではなく、一緒に旅をする仲間たちだと思うのです。ライブエンターテインメントに情熱を捧げ、可能性を感じてアプローチにチャレンジしている人たちと話すこと、それ自体が報酬です。以前Lenaとも話していたのですが、目的にたどり着く必要はなくて、仲間たちと一緒に情熱を持って会話や議論を重ね、斬新なアイデアや創造性を生み出すこと、そのプロセス自体を楽しむこと自体が幸せだと思うんです。

御厨：新しいエンターテイメントビジネスのマーケットにおいて、世界中から注目されているのが日本、その受け皿はまだ少ないのが現状です。国内のプロダクションの体制も国際化はまだまだ、更に対外国への施策も含めて考えると日本のマーケットは未開拓、無限の可能性が秘められています。
『spotlight』が世界基準の知識を持って、日本のみならず世界のマーケットを目指せるチームになって行ければと思います。

山田：チーム立ち上げ以降は、『spotlight』ネットワークを活用し、海外の多くのクリエーターやプロデューサーとディスカッションをするなど、チームで知見を高めてきました。現在では、国内外での企画・制作プロジェクトも具体的に進行しているので、是非また皆さんに共有できればと思います。

『spotlight』　https://www.dentsulive.co.jp/wordpress/ss/2021/01/20210112JP.pdf

2021年10月1日にアラブ首長国連邦ドバイにて開幕した「2020年ドバイ国際博覧会」（以下、ドバイ万博）。
191カ国が参加するドバイ万博で、日本が出展する「日本館」の展示は「Where ideas meet　アイディアの出会い」をテーマに、6つのシーンを通して日本が紡いできた「アイディアの出会い」を表現し、そこから新しい未来をつくる体験を創出しています。

今回の演出の背景にはどのようなアイディアの源流があり、どのようなアプローチで体験を設計していったのでしょうか？

演出を手がけたモンタージュのクリエイティブディレクター／ステージディレクター・落合正夫氏、総合プロデューサーの電通ライブ副社長執行役員・内藤純に、電通ライブの村山海優がインタビューを行いました。

日本が古来より紡いできた「出会いの物語」に着目

村山：今回、日本館の演出をプロデュースするにあたって、どのような観点でテーマや表現を設定していったのでしょうか？

内藤：前回のミラノ万博のテーマは“食”。ある意味、日本らしさや日本の魅力を分かりやすく伝えられるコンテンツでしたよね。一方、ドバイ万博のテーマ「Connecting Minds, Creating the Future（心をつなぎ、未来を創る）」は、誰もが共感できる言葉ですが、テーマとしては非常に範囲が広く、抽象的です。これを日本館の展示として具体的にどう表現すべきかに悩みました。ただ、直感的に日本独自の季節感や自然観に「Connecting」のヒントがあるのではないかと感じ、そこから「アイディアの出会い」という切り口で落合さんをはじめとするクリエーターの皆さんと徐々にコンセプトを固めていきました。

落合：ヨーロッパの平原の国とも、中東の見渡す限り砂漠の国とも異なる、多様な自然環境が日本にはあります。それらの自然には八百万の神が宿ると考えられ、古来より多種多様な感性を受け入れる土壌が培われていたのだと思います。加えて、地理的には大陸の端にある島国で、外部から様々な文化が日本に流れ着き、それらをカスタマイズすることでユニークな文化を形成しました。まさしく、日本は「出会いの物語」と共に歩んでいった国。日本の「出会いの物語」を語ることで、「アイディアの出会い」の可能性を伝えられるのではないかと考えました。

落合 正夫氏（モンタージュ）

村山：なるほど。ストーリーを伝える展示はもちろん、ひんやりとしたミストの霧や幻想的な映像もあいまって、日本の幽玄な世界に入り込んでいく感覚がありました。

内藤：来場者を物語の世界に誘うためには、いかに没入感を演出できるかが重要で、その没入感の鍵を握るのが「五感」です。そういった意味で、今回は映像表現に加えて、ミストに包み込まれる肌感覚や、音声ARで個別に聴覚に訴えるなど、重層的に五感が刺激し合うような、体験設計がマストであると考えました。

落合：音声ARは画期的なアイディアでしたよね。従来の国際的な展示はパネルを置いて英語のテキストで解説するか、非言語コミュニケーションで感覚に訴える手法がほとんどでしたが、今回は来場者一人ひとりの耳元で、その人が慣れ親しんだ言語を使って、こちらの意図するメッセージを働きかけることができた。その結果、体験の深度がより深まったのではないかと思います。

ミストに包まれる空間で、「調和」を表現

村山：今回、「アイディアの出会い」を表現する上で苦労したことは何でしょうか？

内藤：演出のゴール設定です。要するに、「その場で来場者がアイディアを出すのか、出さないのか？」ということ。実際に来場者がアイディアを出し合ってディスカッションする方向性も検討したのですが、それをやるなら展示よりもシンポジウムやセミナーなどの形式で実施したほうが建設的です。試行錯誤した結果、最終的に日本館の展示では「アイディアが出会うことの素晴らしさ」、「アイディアを出すことの大切さ」を伝えることにフォーカスしました。

村山：日本の「アイディアの出会い」を振り返るシーン1とシーン2の体験を通して、「アイディアが出会うって良いな」というマインドセットができるからこそ、その後のシーン6までの体験を自分ごととして捉えやすくなっているように感じました。

内藤：そこは落合さんの手腕ですよね。シーン2の構成を落合さんから頂いた時、いにしえから近代に至るまでの日本の歴史、そのすべてが“出会い”の文脈で緻密にプロットされていて驚きました。一個一個ファクトを用意して、時代考証的なことも含めて丁寧に紐解いていただいたので、非常に説得力のあるメッセージになりましたよね。

村山：個人的に好きな演出は、シーン5のクライマックスで空間全体がミストに包まれて真っ白になる場面です。あのアイディアはどのようにして生まれたのでしょうか？

落合：一人ひとりが多様性を保ちながらも調和していくことが世界の目指すべき方向性だと思うので、その調和を体験してもらいたいと考えていました。あのミストは端的に言うと、来場者同士を溶かして、空間と一体化させるようなイメージを描いたものです。

内藤：真っ白なミスト空間に包まれると、ゆっくりと視覚が消えていき、最後は自分以外全てがなくなってしまいます。すると不思議なことに、自分の中からみずみずしい活力が生まれるような感覚に包まれるんです。邪念がなくなるというか（笑）。

村山：分かります。だからこそ、耳元で囁かれるメッセージも心にストンと落ちるというか。とても心地良い体験だと思いました。

村山 海優（電通ライブ）

コロナ禍の今こそ、「Connecting」の価値が問われる

村山：今回の展示を通して、来場者に届けたいことを改めて教えていただけますか？

内藤：今回は日本ならではの季節感や自然観、文化性を細部まで突き詰めて表現していますが、そこまで押し付けがましくない演出にしていること自体が、ある意味日本らしさの一要素だと思っています。実は非常に情報量の多い展示なのですが、来場者一人ひとりの感性に委ねる“余白”があるので、それぞれ心が動いた場面や強く感じたことを持ち帰っていただけたら嬉しいですね。

内藤 純（電通ライブ）

落合：万博には、自国の最新テクノロジーを披露したり、未来に向けた活動をアピールする側面があると思います。ただ、今回は日本のことを紹介するだけでなく、日本が紡いできた物語から「アイディアの出会い」という普遍的な価値を導き出し、「あなたの国にもアイディアの出会いはありますよね。それを未来につなげていきませんか？」という謙虚な問いを発信しています。この問いかけが、少しでも視点を切り替えるきっかけになったり、次のアクションにつなげてもらえたら良いなって思います。

村山：今回の万博は、世界や日本にとってどんな意味を持っていたと思いますか？

内藤：コロナ禍で人と会うことが当たり前ではなくなった今こそ、「Connecting」とは何かをみんなで考えるドバイ万博は、非常に意義の大きなイベントですよね。今回は入場制限を設けて開催しているので、来場者数という単純な指標ではなく、より“質”が問われるようになっていると感じています。博覧会の“質”とは、やはりその場にいることでしか得られない価値であり、感性が磨かれるような体験だと思うんです。日本館は感性が研ぎ澄まされる演出をとことん追求しているので、それが多方面から非常に有り難い評価を頂けている理由なのかもしれません。

落合：世界的なパンデミックでいろいろなことが問い直されていますが、万博を開催する意義も改めて問われていると思いました。万博が、今後も人類が発展していくための叡智を集める場であるならば、大事なのは自国のアピールではなく、これからの未来に向けて私たちがアップデートすべきことや、なんのためにテクノロジーが存在するのかを問うことです。その意味において、日本館は今の時代にふさわしい展示になったのではないでしょうか。

内藤：次の「大阪・関西万博」につながる一つのメッセージが打ち出せたと思います。今回の「アイディアの出会い」が2025年にどのような体験を生み出すのか、また落合さんたちと一緒に考えていけたら光栄です。